Ноябрьский туман, густой и влажный, окутывает город Лондон. Он пьёт звуки, он съедает очертания зданий, оставляя лишь размытые силуэты и тусклые нимбы уличных фонарей. Мелкий, холодный дождь лениво сеет с неба, превращая брусчатку набережной в чёрное, блестящее зеркало. И сквозь эту серую мглу несёт свои грязные, свинцовые воды река Темза - главная артерия города, видевшая на своём веку как блеск королей, так и нищету трущоб.
Под массивным, позеленевшим от сырости каменным мостом, в логове, которое он делит с крысами и собственными призраками, сидит кашляющий силуэт. Это даже не человек, а скорее его обмылок, ходячее чучело, собранное из лохмотьев, грязи и помоев. Его глаза жадно и зло следят за редкими прохожими. Он живое привидение, которое благополучный город предпочитает не замечать. Его имя - Акваланг. И сейчас я, с помощью группы Jethro Tull, постараюсь не просто посмотреть на несчастного со стороны, а заглянуть ему прямо в душу. Итак :
“Aqualung” - Звучание композиции начинается с одного из самых грозных гитарных риффов в истории рок музыки.Он напоминает мне тяжёлую, чугунную раму, в которую заключён портрет песенного героя. Гитарный риффинг звучит словно приговор, как поступь неумолимой судьбы. Это звук холодного, безразличного индустриального города, который давит и перемалывает человеческие жизни.
Но вдруг непроницаемая стена звука рушится и начинается куплет под акустическую гитару. Музыка становится тихой, почти нежной. И вот на этом тихом, фолковом холсте, Иэн Андерсон не жалея тёмных красок, отображает максимально мрачный и депрессивный портрет : “Сидит на скамейке в парке,/ с дурными намерениями пялясь на маленьких девочек”. “Сопли текут по носу,/сальные пальцы пачкают потрёпанную одежду”. “Задыхаясь кашляет,/ пытаясь согреть свои остывающие ноги”.
Иэн Андерсон не романтизирует бедность, он показывает её самое уродливое, неприглядное дно, масштаб нравственного падения человека, от которого хочется отвернуться и перейти на другую сторону улицы. Впрочем в середине композиции Иен Андерсон меняет тон и начинает сочувствовать Аквалангу, называя его другом и беднягой.
Ближе к концу композиции следует гитарное соло Мартина Барра, звучащее словно хаотичный, нервный срыв разума, который распадается на части от холода, болезней и одиночества.
Jethro Tull сумели достоверно рассказать историю отверженного человека, сделав это не языком социальной хроники, а языком высокой трагедии. Взяв на вооружение образ самого невзрачного, самого грязного и никому не нужного человека, они возвели его страдания до уровня оперной арии.
( великолепно - 5 баллов из 5 возможных )
“Cross - Eyed Mary” - Песня построена на резком контрасте : с одной стороны - нежность и красота, с другой - жёсткость и напор.
Начинается композиция с красивейшего, журчащего соло на флейте. Эта чудесная мелодия рисует мне образ миловидной девушки. В ней, как в мелодии, так и в образе, присутствует что-то от лесной феи, что-то игривое и озорное, и оно резко контрастирует с грязными трущобами индустриального города.
Внезапно ритм-секция ужесточается, взрываясь жёстким, почти металлическим гитарным риффом и мощным, напористым битом. Музыка становится агрессивной..
В тексте песни рассказывается о школьнице изгое, “Косоглазой Мэри”. Она не занимается проституцией, в привычном понимании этого процесса, она является “Робин Гудом” Хайгейта (район в Лондоне), опекая и защищая тех, кого общество выкинуло на помойку. Мэри единственная кто дарит отверженным - “беднякам, нищим, ворам”, немного тепла и человеческого участия.
Агрессия в песне направлена не на Мэри, а на лицемерное общество. Если Акваланг это трагический и злой король оборванцев, то”Косоглазая Мэри” - добрая королева трущоб. Журчащая флейта символизирует чистую, добрую душу девушки, а жёсткий рок-н-ролл - её стальной характер и бунт против несправедливого мира.
( очень хорошо - 4,5 балла )
“Cheap Day Return” - Лёгкая и ненавязчивая музыкальная миниатюра, текст которой без знания контекста, похож на ребус или на набор случайных, не связанных друг с другом образов.
“Cheap Day Return” - так в Британии называют дешёвый билет “туда и обратно” в течении одного дня. Уже само название говорит, что это история о мимолётной, короткой поездке, впрочем как и сама песня, хронометраж которой крайне небольшой.
Андерсон написал текст песни буквально на коленке, во время поездки в поезде из Лондона в Блэкпул. (Знакомый маршрут. В Блэкпуле раз в год проходят знаменитые турниры бального танца. Авторское отступление). Он ехал в больницу навестить своего тяжелобольного отца. Во время поездки Андерсон делал зарисовки того, что видел из окна поезда. Отсюда появились странные образы “балансирующего на мосту рабочего”, “лысеющего, ухмыляющегося евангелиста”, и так далее и тому подобное.
“Cheap Day Return” - это своеобразный стоп-кадр из жизни, полный грусти, любви и горькой иронии, а сопровождение звучания акустической гитары, идеальное дополнение ко всему перечисленному.
( хорошо - 4 балла )
“Mother Goose” - Одна из самых причудливых альбомных композиций, написанная в стиле “Алиса в стране чудес”, или сюрреалистического сновидения.
Музыкально песня исполнена в традиционном фолковом ключе. Игривый, витиеватый перебор акустической гитары и порхающая как бабочка флейта - это и есть звуковое воплощение волшебного деревенского быта. Музыка намерено противопоставлена тяжёлому, городскому року заглавной песни.
Текст композиции представляет калейдоскоп сюрреалистических образов, которых видит песенный герой гуляя по парку : “умирающий лебедь”, “девяти-вагонный автомобиль”, “белозадый олень, бегущий наперегонки с борзой”, ту самую “матушку гусыню” и, что самое прикольное - “чёрно-белую лошадь”, предлагающую всем желающим чашечку чая.
Песня “Mother Goose” - гимн воображению, весёлый, озорной “средний палец”, показанный серому, обыденному, и в данном, конкретном случае, всему индустриальному миру.
( очень хорошо - 4,5 баллов )
“Wond’ring Aloud” - Иэн Андерсон меняет маску язвительного сатирика (“Aqualung”) и безумного сказочника (“Mother Goose”), на своё настоящее лицо. Он поёт тихо, почти интимно, словно делится чем то очень личным. Это не пение для стадиона, это общение у камина.
Звучание струнной секции симфонического оркестра, по моему мнению является душой песни. Она не просто украшает мелодию, она обнимает её. Струнные вступают в самые нужные моменты, чтобы подчеркнуть важность слов музыканта, добавить глубины и ностальгической нотки.
“Wond’ring Aloud” - одна из самых простых песен о любви, которые только можно представить. Андерсон просто благодарит свою спутницу (в то время - жену Дженни) за то, что она рядом, что разделяет с ним бесценные моменты уюта и душевного тепла.
Единственное слабое место песни, так это очень незначительный по времени хронометраж. По этой причине я не могу оценить её выше оценки “хорошо”.
( хорошо - 4 балла )
“Up To Me” - Идеальное завершение первой стороны альбома, своеобразный водораздел, служащий философским мостиком ко второй стороне.
“Up To Me” одна из самых энергичных и напористых акустических альбомных песен, она колючая и максимально саркастическая. Звучание акустической гитары является матрицей агрессивного ритма, быстрого и пружинистого. Флейта Иэна Андерсона уже не напоминает журчание ручья, как в “Cross-Eyed Mary”, её секции остры, словно лезвие шпаги. Они словно подчёркивают едкие замечания в тексте песни. Андерсон поёт в своей фирменной манере, с интонацией человека, который видит всё насквозь и зло иронизирует по этому поводу.
Текст песни - это калейдоскоп образов, показывающих несовершенство мира, его фальшь : цензуру, пустую, расточительную жизнь элиты и иллюзорность славы. Андерсон говорит : “Мир вокруг полон дерьма, иллюзий и несправедливости. Я не могу изменить мир, но я могу изменить себя. Могу выбрать куда мне идти, что мне говорить и во что мне верить.
( хорошо - 4 балла )
“My God” - Одна из самых смелых и сложных композиций Jethro Tull, причём не только на альбоме, но и в целом в их богатой дискографии. “My God” - настоящий спектакль, драма в 3-х частях, построенная на шокирующих контрастах.
Начинается композиция с мрачного, почти готического риффа на акустической гитаре, который тут же подхватывает тяжёлая, металлическая секция. Всё это звучит как злой церковный гимн. Голос Андерсона полон сарказма и гнева. Мастер не на шутку разошёлся и атакует церковь, её холодность, её ритуалы и богатство.
Неожиданно тяжёлое рок-звучание обрывается и начинается композиционный фрагмент, которому я дал название - “фолковая оратория”. Песенным пространством завладевает звучание акустической гитары, тихого акапельного пения и конечно флейты. Инструмент Иэна Андерсона здесь звучит как голос чистой, первозданной природы, словно журчание ручья, шелест листьев, пение птиц. В этом “тихом” акте музыкант объясняет, что он не против бога, но против церкви.
После “тихой” части песня взрывается снова и соло Андерсона на флейте, становится не только яростным, но и виртуозным, что делает его одним из самых красивых в дискографии группы. В завершении композиции, следует такое же яростное гитарное соло Мартина Барра.
( очень хорошо - 4,5 балла )
“Hymn 43” - Если в “My God” Андерсон атаковал английскую церковь, то в этой композиции, он поворачивает свой “прожектор ярости” на Америку и её лицемерное использование религии.
В песне ощущается “бродвейский” размах и местами, стилистически она напоминает мне некоторые фрагменты из рок-оперы “Иисус Христос суперзвезда”. Вместо привычной акустической гитары, всю песню присутствует мощный и агрессивный фортепианный риффинг, что придаёт музыке не фолковое, а именно театральное, драматическое звучание.
Поверх фортепианного наполнения, Jethro Tull наваливают всю мощь хард-рока. Ритм-секция несётся вперёд словно локомотив, создавая ощущение неотвратимого движения, почти погони. Жёсткий гитарный рифф Мартина Барра, который вступает в припеве, добавляет звуковой палитре, дополнительного напора и ярости.
Название “Гимн 43” является издевательской отсылкой к церковным псалмам (в английской молитвенной книге их как раз 42) Андерсон как бы пишет свой, 43 гимн - гимн свободы.
Текст песни представляет едкую сатиру на “американскую мечту”, где Иисус Христос превратился в бренд, а религия - в оправдание жадности и войны. Удивительно, но при всём при этом, американцы приняли “Aqualung” на ура, было продано на территории США, более 4 млн пластинок альбома.
( очень хорошо - 4,5 балла )
“Slipstream” - На мой взгляд данное произведение нельзя назвать песней, скорее всего подойдёт термин - музыкальная пауза, смена кадра. Jethro Tull даёт слушателю всего 72 музыкальные секунды, состоящие из нежного звучания акустической гитары, и красивой, но печальной аранжировки струнного квартета. Текст состоит лишь из одной строчки “Серебряные рыбки в этом потоке.. мерцают в ночи”.
“Slipstream” - это музыкальный эквивалент точки с запятой в длинном, гневном предложении. Короткая, красивая и необходимая пауза перед финалом.
Ввиду очень малого хронометража “Slipstream”, я принял решение её не оценивать.
“Locomotive Breath” - Данная композиция не просто вечнозелёный хит, и в контексте моего повествования, она является философским итогом и главной метафорой всего альбома. Аллегорией бездушной, неумолимой системы, которую Андерсон зло и беспощадно критикует на протяжении всей пластинки.
Песня построена идеально : знаменитое медленное блюзовое вступление, обозначает звук поезда, который медленно набирает скорость. Жёсткий, неумолимый ритм гитары, баса и барабанов - это и есть тот самый беспощадный, механистический стук колёс. Он гипнотизирует, не даёт песне вырваться и напоминает звук машины, у которой нет тормозов. Если кратко резюмировать, то “Locomotive Breath” - это рельсы, на которых расположился альбом “Aqualung”.
В песне объясняется, откуда взялся Акваланг (вечный неудачник), у которого “тормоза отказали”. Он “безбилетник”, который не по своей воле оказался в этом поезде, и теперь не может из него выбраться. Поезд несётся к “буферам в конце жизни”, то есть к смерти или краху. Акваланг является тем самым человеком, который уже доехал до этих “буферов”. Он жертва поезда, сошедший с рельсов неудачник.
( отлично - 5 баллов )
“Wind-Up” - Песня начинается как тихая, детская исповедь. под простое фортепиано. Андерсон поёт проникновенно и очень лично, подразумевая себя в детские годы, когда его “заводили” словно механизм каждое воскресенье, и заставляли идти в церковь.
Вскоре тихая исповедь взрывается одним из самых мощных, злых и триумфальных гитарных риффов на альбоме. Это уже не музыкальное воплощение послушного мальчика, а взрослый, бунтующий Иэн Андерсон, который разрывает цепи детского послушания.
Иэн Андерсон больше не прячется за метафорами (как в “Locomotive Breath”) или общей критики (как в “My God”). Он рассказывает свою личную историю. Музыкант прямо говорит : “ Я видел Вашу фальшь. Вы пытаетесь сделать из меня послушную, заводную игрушку, но я вырос и всё понял”.
“Wind-Up” - это триумфальный, громкий и освобождённый финал. Это уже не хрип умирающего Акваланга, не безысходный стук колёс “локомотива”. Это крик и триумф свободы.
( очень хорошо - 4,5 балла )
Скажу откровенно : Описание и анализ альбома “Aqualung” дались мне нелегко. Очень непростая тема. Получилось или нет, судить читателям.
Подытожу. Моя оценка альбому “Aqualung” составила 4,45 баллов из 5.00 возможных.
21.10.2025 г. А. СЛОНИК.
